• necrofilia

    Alfonso Garcia Morales

    În poezia «Ánima adoratriz», scrisă în 1919 și inclusă în același an în Zozobra, López Velarde a desenat, cu amestecul de seriozitate și ironie care îl caracterizează, autoportretul său: ca om și ca poet, el nu era nimic mai mult decât un iubit, un adorator al misterului lumii. „Știm doar un lucru”, a scris el în proză din același an, „că lumea este magică”. Și pentru el misterul a fost întruchipat în primul rând la femei, pe care le vedea mai mult ca un mit decât ca o realitate. Întreaga sa viață a fost practic redusă la o pasiune pentru femei, pentru imaginea femeilor. „Calea pasiunii (Ramón López Velarde)”, Octavio Paz și-a intitulat în mod adecvat genialul său eseu de performanță. În același poem, López Velarde a indicat de unde provine această cale simbolică:

    În anii de seminarist, el continuase să-și petreacă vacanța la Jerez și întâlnise unul dintre cei mai decisivi oameni pentru literatura și viața sa, pentru modul literar de a-și trăi viața pe care începea să-l asume în mod inconștient: Josefa de los Ríos, o rudă îndepărtată - era cumnata unui unchi matern - o fată cu o educație strict tradițională, externă de neimaginat, judecând după singura ei fotografie conservată și după mărturiile celor care o cunoșteau, extrem de delicată în sănătate și cu opt ani mai în vârstă decât el, de faptul că s-a îndrăgostit. Tatăl lui López Velarde s-a opus relației, dar el a început să-i dedice versuri și în curând să o numească cu numele poetic de „Fuensanta” și a ajuns să o transforme într-un adevărat mit personal, primul și ultimul, cel mai simplu și cel mai enigmatic al iubirilor sale, principalul protagonist al poveștii sale.

    Mai sănătos decât urmărirea criticilor în ipotezele lor este să accepți că acest nume feminin dormea ​​pe fundalul limbajului și că, la începutul acestui secol, poeții și artiștii l-au redescoperit [. ]; faptul că López Velarde și Romero de Torres au ales același nume feminin pentru același tip feminin relevă faptul că avem de-a face cu un adevărat motiv de perioadă. Acest nume, la fel ca alții ca acesta, era un talisman și un simbol estetic, sexual și spiritual. .

    Seria de poezii galante construite din imagini idealizante și religioase („ofrandă romantică”, „Pentru picioarele tale”, „Pentru degetele tale agile și fine”), culminează cu „Canonizarea”, în care poetul se roagă absentei Fuensanta, pentru „Maica Domnului Iluziilor”, și în schimbul nunții imposibile manifestă un vis de înfățișare religioasă, dar cu un fundal clar necrofil: venerarea imaginii sale în interiorul unui felinar, „într-un colț al casei natale” (142). Am spus că, în imaginația lui López Velarde, provincia este în mod constant asociată cu visul de întoarcere, de asemenea, de revenire temporară, de regresie la copilărie, iar acest lucru este de obicei legat - ca în „A fi o mică caste” - de cel al imobilizării, miniaturizării, fosilizare, gulliverizare sau îmbălsămare. Există în aceasta, împreună cu dorința de a controla femeile, încercarea de a o păstra de păcat, de contaminarea fizică și mentală și, astfel, de a asigura un refugiu împotriva pericolelor la care, ca bărbat, este expusă. Poezia „Către harul primitiv al sătenilor” începe cu această mărturisire:

    Acest lucru cu privire la primele poezii. Cele ulterioare, cele scrise după 1915, imediat înainte de publicarea The Devout Blood, deși încă centrate pe Fuensanta și provincia, aruncă o privire asupra noii scene a orașului, introduc alte figuri feminine și dezvăluie o nouă conștiință artistică. „În acești ani”, spune José Luis Martínez, „la răpirea sentimentală și devotamentul față de lucrurile poporului său și ale lumii lor religioase, el a adăugat o senzualitate mai avidă, trăsături de umor și ironie, sensibilitate plastică și cunoștințe poetice” 19. În «Ai avut un șal de mătase. »Sentimentalitatea și manierele cu care poetul laudă încă o dată Fuensanta îndepărtată sunt brusc deplasate de senzualitate, înainte de a fi definitiv rupte de ironie, când printr-un paragraf parantetic poetul spune:

    Poetul apare din ce în ce mai rupt între devotamentul față de unic și multiplicitatea prezențelor feminine („Această dorință este perenă, franciscană sau poligamă?” 158). Fuensanta este din ce în ce mai mult o vinovăție și o enigmă („Mi-ai interzis.”, „Ce voi spera?”), O amintire amenințată de tentația altor femei, un suflet pierdut pe punctul de a dispărea. Deja în The Devout Blood există o poezie, «Gura flexibilă, avidă. „Inspirat de„ doamna capitalei ”(„ pericol armonios pentru filosofia mea petulantă ”155), care va ocupa un loc central în Zozobra. El indică deja sistemul de imagini duale care va fi implementat în următoarea carte pentru a-și obiectiviza drama interioară; de preferință, așa cum a subliniat Xavier Villaurrutia, imagini care opun lumea catolică lumii musulmane (împreună cu Edenul cast și putred al femeilor din provincie, haremul odalisques și paradisul houris), și imagini de suspensie și oscilație, de zbor și cădere, și afară și înapoi.

    În penultimul poem al Sângelui devotat, „Pentru hramul poporului meu”, poetul, un eșec, pocăit ca fiul risipitor, pare să se întoarcă la sanctuarul din Jerez, la credința botezului și la prima dragoste, Maicii Domnului din La Soledad și Fuensanta. «Doamnă: vin la Tine/din întunecatele anarhii/ale gândirii și comportamentului». Dar este doar o vizită, un nou rămas bun; Poetul își ia rămas bun dar nu înainte de a face o cerere: să se întoarcă în momentul morții, la aceeași biserică în care ar fi trebuit să fie sărbătorită nunta sa, „în acea dimineață când am visat/să țin un sân alb/o ramură fructuoasă de portocală floare "(164-165). Poezia finală, de fapt epilogul, „Și gândirea că am putea” este o fantezie despre cum ar fi fost viața Fuensanței și „idolatarului” dacă s-ar fi sărbătorit acea nuntă deja imposibilă, dacă ar fi fondat împreună o casă. Citit din cunoștințele întregii traiectorii, la sfârșitul La sangre devota López Velarde pare să prefigureze, așa cum vom vedea, nu numai următoarea sa carte, Zozobra, ci și poeziile sale postume, precum „Visul mănuși negre ". Adică anticipează plecarea și moartea Fuensanței, nu numai o moarte simbolică, ci una reală, prezentamentul propriei sale morți și - depășind viața ne trăită - visul nunții în viața de apoi.

    Zozobra, publicat la sfârșitul anului 1919, este colecția centrală și cea mai matură de poezii a lui López Velarde. Nu prezintă inegalitățile cărții anterioare, de fapt și, în ansamblu, nu face altceva decât să continue și să aprofundeze acea parte din The Devout Blood după 1915. „Ceea ce există”, spune Allen W. Phillips, „lângă un mare progresul artistic, este o schimbare marcată de intensitate: durerea, romantică și melancolică, dacă vreți, devine acum angoasă; sentimentalismul este nuanțat de senzualitate sinceră; iar îndoielile devin afirmații ale dualității care sfâșie violent sufletul poetului ”23. Titlul său este o figură perfectă a conținutului său: explorarea conflictelor sale, asumate în mod conștient, dar niciodată rezolvate, între spirit și carne, religiozitate și erotism, pregătire tradițională și neliniște contemporană, precum și mărturia, deși este indirectă, a timpurilor istorice pe care a trebuit să le sufere, cele ale Revoluției din Mexic și chiar cele din Primul Război Mondial sau ale secolului. Poeziile sale sunt aranjate conform unei configurații simbolice tenue, dar clare, prin care poetul dă sens propriei sale traiectorii vitale și sentimentale.

    Începe cu „Today as never”, unul nou, deși pare un adio definitiv la Fuensanta. Trebuie să știți că în jurul anului 1916 Josefa de los Ríos, cu adevărat pe moarte, se mutase în Mexic, unde a murit în luna mai a anului următor. Practic, toți criticii au presupus că poezia a fost scrisă după moartea sa. Se poate dovedi că este de fapt ceva mai devreme și, deși are un simț elegiac, este un rămas bun în plină agonie a lui Josefa, un proces pe care, după cum reiese din poezie, López Velarde a trebuit să-l urmeze foarte îndeaproape, din moment ce știm și că medicul care a tratat-o ​​pe femeia bolnavă era fratele poetului, inseparabilul lui Isus. Poezia începe:

    Octavio Paz comentează: „Aceste rânduri, deși nu sunt cele mai bune López Velarde, exprimă foarte bine ce a fost acea iubire: un adio nesfârșit” 24. Într-adevăr, din primele sale texte, López Velarde scria acest rămas bun și este posibil să găsim în ele antecedente directe la practic toate imaginile prin care poezia este susținută și crescând în calitate: sticla fragilă a corpului, ceasul și ticăitul acestuia care sunt inima și bătăile ei, râul surd și barca morții, după-amiaza de viscol și sunetul foarfecelor; chiar și a doua parte, în care poetul, acum cu siguranță singur, se concentrează pe sufletul său, pe ruina și pustiirea perpetuă a sufletului său prin imagini liturgice și biblice din ce în ce mai largi și mai intense, de la pânză la parohie, de la ploaie la potopul final.

    Este semnificativ faptul că imediat după acest poem, seria dedicată doamnei capitalei începe cu cea intitulată „Transmute-mi sufletul”. Apare ca o „creatură solară” (lumină aeriană, vară, torță, lavă bruscă, pasăre de foc, glob de foc.), Ca purtător al unui pahar umplut cu un lichior luminos și în același timp îmbătător, care înlocuiește euharistica apa lustrală din Fuensanta, ca ființă „mortală și vitală”, înzestrată cu puteri și pericole, care dă viață și moarte simultan și în fața căreia protagonistul poetic simte la fel de multă iluzie ca frica. Ea este posibilitatea transformării și eliberării definitive, a iubirii depline, a recunoașterii depline, a abandonării copilăriei și a accesului la maturitate:

    Fuensanta - spune Octavio Paz - fusese o figură pasivă, mai mult un idol decât o realitate; a doua femeie este, simultan, un corp și un spirit. Un corp de neatins care îl încântă; un spirit care îl sperie și îi deschide lumi necunoscute. Este o „vehemență palidă” și, pentru a accentua și mai mult contradicția acelei figuri, adaugă: „Ați făcut penitență vărsându-vă în vârful unui deșert?” Pentru prima și ultima dată, López Velarde recunoaște la o femeie o complexitate spirituală similară cu a sa. Pentru o clipă, femeia încetează să mai fie un obiect de venerație sau plăcere: „focul s-a așezat pe fața ta și lava a curs”. Ea îi datorează revelația „propriului său zodiac: Leul și Fecioara”. Descoperirea de sine este, de asemenea, cea a unei femei care sunt toate femei, „totală și parțială, periferică și centrală”, adică o femeie care poate fi iubită fără a-și abdica voința. O libertate 25 .

    Dar posibilitatea nu este îndeplinită. Seria despre dragostea capitală se închide - un cerc într-un alt cerc - cu „La tear”, o nouă poezie despre eșec și tema nu atât de frecventă a singurătății masculine, care împreună cu cea a sterilității va deveni din ce în ce mai presantă în literatură. Visul căsătoriei, prezent de la primele poezii la Fuensanta, este din nou frustrat, poate într-un mod mai concret și dureros. Poetul apare singur și insomniac, în pat, care este ca un mormânt, ascultând zgomotele pisicilor nocturne, simboluri ale poftei și morții, uitându-se la văruirea camerei, plângând, definitiv închis, după încercarea nereușită de deschidere, în sine, în propria durere. O face cu mare patos, dar în același timp cu mare modestie, cu intensitate a sentimentului și imaginației:

    În «Inima mea se merită. »Îndemnul dorinței este confundat cu nerăbdarea irepresionabilă de a trăi o viață plină:

    Poem similar cu tulburătoarea proză poetică „Capodoperă”, care începe cu figura tigrului, a cărui coadă lovește și sângerează împotriva barelor, a imaginilor erosului în cușcă și a masturbării și se termină printr-o reflecție asupra sterilității, asupra cultivării propriului sine. ca operă de artă și ca înlocuitor al lipsei descendenților:

    Tigrul va măsura un metru. Cușca lui va fi puțin peste un metru pătrat. Fiara nu-și dă un punct de odihnă. Un evreu rătăcitor pe sine, descrie semnul infinitului cu o fatalitate atât de mecanică încât coada lui, lovind barele, sângerează dintr-un singur loc.

    Burlacul este tigrul care scrie opt pe podeaua singurătății. Nu merge înapoi sau înainte [. ] Făcut din neprihănire, angoasă, intransigență, furie, bucurie și tăgăduire de sine, copilul pe care nu l-am avut este adevărata mea capodoperă 31 .

    În „Cerșetorul”, care începe „Eu sunt cerșetorul cosmic și inopia mea este suma/tuturor cerșetorilor vorace post. „(217), López Velarde vorbește despre ceea ce el a numit în altă parte„ corpul înfometat și cerșetorul sufletului ”, 32 al sentimentului chinuitor de excludere din plenitudine. Deși cerșetorul este o imagine a marginalizării cu care s-au identificat mulți artiști în timpul romantismului și modernismului, el îi conferă o dimensiune „cosmică”, ceea ce ulterior s-a numit existențial, referindu-se la condiția mereu lipsită și nevoiașă a omului concepută ca un proscris din paradis. . Și, deși în anumite momente foamea și setea acestui cerșetor ne amintesc de tortura lui Tántalo, López Velarde redirecționează poemul prin imagini creștine și merge în memoria anahoritilor care, în primele secole ale creștinismului, au purtat pe deșertul viața Thebaid a retragerii și a penitenței, nu fără ispite. S-ar putea spune chiar că în poezia spaniol-americană acest poem este o legătură între Darío („și noi suntem cerșetorii sufletelor noastre sărace”) și César Vallejo, în care culminează motivul celor flămânzi, al oaspetelui către fals sărbătoarea vieții.

    În „Anima adoratrix” menționată mai sus, López Velarde vorbește despre pasiune, uimire și prostrația finală înaintea misterului vieții, întruchipat fundamental la femei. Începe cu o serie de imagini dificile, multi-semnificative pe care criticii le-au discutat, dar în care există, fără îndoială, un sens genital, falic, aluziv la erecție:

    Urgența dorinței, bazată pe senzația trupească a „furnicăturilor”, este tema „Hormigas”, („răspunde, în intoxicația orei fermecate,/o furie de furnici în venele mele vorace” 220); Angoasa de la limitele ființei sale, dar și teama concretă de impotență sexuală se regăsește în „Ultimul odalisque” („dacă trandafirul eficient și viu/rămâne de prisos și greoi” 233). Pământ umed. », Care recreează starea de spirit a unei după-amiaze de ploaie și închidere, plină de senzații subtile și imaginații erotice, în care prezentul în oraș este amestecat cu memoria provinciei și cu prostituatele - bine-cunoscutele naiade deviate pe care le bâlbâi monosilabe umede și dornice-, servesc drept contrapunct pentru doamne și fecioare, se încheie cu o nouă aluzie ironică la erecție:

    Anxietate, cartea „anxietate” se încheie cu „Umilință”. ", Un poem cu o înțelepciune simplă, o naivitate ironică, cu adevărat" naivă "; o poezie dus-întors, un rezumat al învățării vitale și literare a scriitorului și tratamentul său repetat al motivului călătoriei circulare. Este dedicat „Mamei și surorilor mele”. Poetul își imaginează că, înainte de a muri, se întoarce la Jerez, într-o zi strălucitoare a Corpului Cristi, pentru a îngenunchea în piață, în fața Sfintei Taine care trece în procesiune:

    Ritul religios îl reintegrează în comunitate și suspendă timpul. Visul imobilizării asociat cu cel al întoarcerii are cea mai bună expresie aici. În același timp, există intensitate și anularea simțurilor. Totul se oprește, grijile zilnice, regretele și ispitele; Afară este istoria, cu schimbările, amenințările și conflictele sale:

    Fiul risipitor se întoarce la casa tatălui său și își proclamă voința de a renunța la lume, în mijlocul sufletului său. „Hybris” păgân este învins de virtutea creștină a smereniei și Edenul subvertizat este restabilit.

    Zozobra, cartea transformării, a neliniștii spirituale și istorice și a căutărilor sale artistice corespunzătoare, se încheie astfel, cu visul întoarcerii, în realitate imposibil, întotdeauna amânat, la origini, ordine și pace; un vis de a reveni la originile care vor prezida producția finală a scriitorului.

    Acest schelet este cel al Fuensanței, în al cărui „craniu gol și aromat” poetul ia „un viatic etern”, adică sacramentul Euharistiei, care se administrează bolnavilor care sunt în pericol de moarte. În „Înălțarea și Adormirea Maicii Domnului”, López Velarde face una dintre cele mai îndrăznețe utilizări poetice ale sale în lumea catolică, când pune laolaltă dogmele Înălțării Domnului Hristos și Adormirea Maicii Domnului, le aplică lui însuși și lui Fuensanta, care apar împreună, în „comuniune”, zburând departe de lume:

    Dar poemul în care această reuniune este criptată, de fapt toată poezia sa, este enigmaticul, poate neterminat „Visul mănușilor negre”, care a apărut printre ziarele postume ale poetului cu mai multe cuvinte ilizibile. Este o poezie paralelă, și nu numai pentru titlu și început, față de postumul „Visul inocenței”. În ea, poetul vorbește despre o viziune care leagă „Ultimele mele uleiuri de Botezul meu” și care este așezată la Sanctuarul Fecioarei de la Jerez:

    „Visul mănușilor negre” are loc într-o capelă din Mexico City și în același timp în viața de apoi, unde va avea loc o altă întâlnire, un alt sacrament:

    Ceea ce urmează este o nuntă între Fuensanta („prizonierul din Valea Mexicului”) și poetul, de asemenea, mort: „mireasa perpetuă” și „idolatrul” se reunesc în cele din urmă într-o înviere imaginară. Iar „mănușile negre” disputate corespund unei rochii de mireasă funerare, tot de văduvă, și sunt o haină de fetișism funerar. Necrofilia - poate termenul care desemnează cel mai bine acea confuzie de sentimente pe care Fuensanta l-a inspirat pe López Velarde - nu s-a manifestat niciodată la fel de violent ca în acest verset: „Ți-ai ținut carnea pe fiecare os?” (284). Cu aceste nunți de dincolo, López Velarde face parte dintr-o tradiție pe care Swedenborg sau Poe, Novalis sau Nerval o călătoriseră înainte. Amestecul de religiozitate, dragoste și moarte, prezent încă de la primele sale poezii, se exprimă printr-un limbaj vizionar care, deși rămâne absolut personal, se poate conecta cu un anumit Lugones, chiar și cu un discipol al lui și Baudelaire, Delmira Agustini, care în cele mai bune momente a atins și limitele modernismului. Este încă semnificativ faptul că această viziune tulburătoare a mănușilor negre - nunta cu moartea în care visea mereu, poezia pe care o scria mereu -, a fost lăsată trunchiată, deschisă la sfârșit.