Editarea grafică

  • Întâlnirea din Cuba
  • Cuba
  • Internaţional
  • Opinie
  • Cultură
  • sport
  • Interviuri

Cinema, Literatură, Gorky

multe

În afară de versiunea lui Vsevolod Pudodkin, unul dintre vârfurile cinematografiei mondiale, Gleb Panfilov a adus impecabil pe ecran legendarul fetiș de carte al lui Máximo Gorki, manipulat cu nerușinare în etapa stalinistă

Între 1907 și 1908, scriitorul și dramaturgul rus Máximo Gorki (1868-1937) a lansat unul dintre cele mai populare romane ale sale de pe paginile revistei Znamia (El Sabre): Mama. Considerat astăzi ca un model de narațiune socială revoluționară, republicat de zeci de ori și tradus în principalele limbi, în acel moment a trecut aproape neobservat de critici. Ani mai târziu, a fost una dintre lucrările care l-au făcut pe autorul său campion al noii literaturi sovietice și promotorul principiului estetic care a devenit ulterior fundamentul realismului socialist. În schimb, la moartea sa a fost onorat cu onoruri speciale: înmormântarea sa a avut un caracter național. Rămășițele sale au fost purtate pe umerii lui Molotov, Kaganovich, Ordzonikidze și însuși Stalin. Iar urna cu cenușa sa era încorporată în zidul Kremlinului, lângă Piața Roșie.

Protagonista Mamei este Pelagia Nilovna, care și-a petrecut viața în nenorocire, suferind în tăcere, convinsă că existența ei nu ar putea fi altfel. Soțul ei este un muncitor care este întotdeauna beat și care ani de zile a bătut-o brutal. Într-o zi bărbatul moare și ea rămâne singură cu fiul ei Pavel. Acest lucru este inteligent, dornic de cunoaștere și simpatizant al cauzei revoluționare. Lucrează într-o fabrică ca tatăl său și, când trece, începe să ia acasă cărți interzise și să primească prieteni care, la fel ca el, cred în rebeliunea împotriva ignoranței și exploatării.

La început, mama lui nu-i înțelege discursurile. Dar, încetul cu încetul, simte senzația de libertate născută în el și începe să împărtășească ideile fiului său și ale prietenilor săi. Când Pavel este arestat și trimis în Siberia, el preia munca pe care o făcea. Apoi a devenit obiectul persecuției de către poliție pe care fiul său a suferit-o pentru răspândirea ideilor revoluționare. În scena finală, ea este rănită, maltratată, martirizată, dar represiunea nu reușește să o reducă la tăcere: „Adevărul nu se va stinge sub mări de sânge (...) În nebunia ta nu vei aduna decât ură! Și va cădea peste tine ... Săracii lumii ... ".

În 1926, Vsevolod Pudovkin (1893-1953) a filmat o versiune mută (exprimată în 1935) a romanului lui Gorky, care a fost lansat pentru aniversarea revoluției din 1917. Nu a fost doar primul său film major, ci și cu La mama operă de artă care a dat cinematografiei rusești o nouă orientare. Pudovkin însuși și-a recunoscut intenția de a urma căile deschise de Serghei Eisenstein și Lev Kuleshov. Leon Moussinac a rezumat foarte bine trăsăturile care l-au distins pe cineast de creatorul Battleship Potemkin: „Un film al lui Eisenstein seamănă cu un țipăt, un film al lui Pudovkin evocă un cântec”. Într-adevăr, mama are o arhitectură vizuală aproape muzicală.

Natan Zarji, scenaristul recomandat de Gorky, a adaptat romanul la un limbaj specific cinematografic. Mai mult decât o adaptare, este o reconstrucție a materialului original. Combinând cele mai bune avant-garde rusești cu propagandă, directorul său a reușit să creeze o operă de prima magnitudine artistică, comparabilă cu cele ale lui Eisenstein. Este un film plin de forță și vigoare, cu prim-planuri uluitoare, metafore vizuale impresionante și o utilizare magistrală a montajului, al cărui tempo este adaptat caracterului fiecărei secvențe. Aceste și alte valori au făcut ca filmul să fie considerat unul dintre summiturile cinematografiei mondiale. În 1958, un sondaj al criticilor din diferite țări a fost realizat în Belgia, iar Mama a fost clasată pe locul 12 printre cele mai bune filme din istoria cinematografiei.

Nouă versiune la sfârșitul perestroika

A doua versiune a romanului lui Gorki a fost realizată în 1955. Și, așa cum a subliniat regretatul critic spaniol Ángel Fernández Santos, este o schemă stalinistă. Dacă primul este reprezentativ pentru etapa avangardistă a anilor 1920, acesta din urmă ilustrează „domesticirea cinematografului sovietic fondator de către birocrația staliniană”. A fost regizat de Mark Donskoi (1901-1981). Interesant este faptul că anterior făcuse o trilogie (1938-1940) pe cărțile autobiografice ale lui Gorky, care l-a dezvăluit ca un cineast sensibil. Dar așa cum a scris Ricardo Vigón când a revizuit filmul în ziarul Revolución, mama lui Donskoi este cântărită de multe dintre cele mai proaste atribute ale cinematografiei sovietice ale vremii: demagogie, academicism retoric și verbal, conformism, romantism ridicol.

În deceniile care au urmat, niciun alt regizor nu a manifestat interesul să aducă pe ecran romanul lui Gorky. Poate pentru că mesajul său nu mai era valabil pentru publicul contemporan. Cel puțin, asta am gândit până când, în 1988, am asistat la o reprezentație a Mamei la Teatrul Taganka. A fost la Teatrul Comediei din Madrid și a însemnat reuniunea emoționantă a acelei companii din Moscova cu directorul său, Yuri Liubímov. Cu câțiva ani mai devreme, autoritățile dogmatice l-au obligat pe dramaturg să ia calea exilului.

Interesant este că Liubimov nu a recurs la adaptarea scenică a lui Brecht, ci a făcut propria versiune a romanului. În acest spectacol excelent, care a fost realizat pe o scenă goală, personajele au aruncat pliante în aer și au ridicat steaguri roșii. Văzută la două decenii de la premiera sa și în deplină perestroică, nu a fost o piesă de muzeu. Acest lucru a fost confirmat de Eduardo Haro Tecglen, care din paginile ziarului El País a comentat: „Un curs de teatru. Probabil astăzi Liubimov l-ar monta diferit. Dar reproducerea modului în care a fost această mare piesă în urmă cu 20 de ani ne arată că puterea pe care o avea teatrul nu a fost stinsă: nu a devenit depășită ".

Admirabil a fost că, cu astfel de materiale, regizorul și distribuția sa ar fi putut să creeze un teatru și un filtru foarte liberi, în ciuda cenzurii stricte, a unei doze de libertate și imaginație. Spun asta pentru că a fost un montaj vechi, iar pentru a fi lansat în mai 1969, regizorul a fost nevoit să încorporeze 17 modificări. Câteva dintre punctele criticate de comisari au fost: absența temei internaționalismului proletar, profunzimea psihologică insuficientă a Pelagiei și Pavel, importanța redusă a rolului revoluționarilor. Acesta a fost doar unul dintre numeroasele ciocniri pe care Liubimov le-a avut cu cenzura.

A fost o surpriză majoră pentru mine să aflu că în 1990 urma să fie lansată o nouă versiune cinematografică a romanului lui Gorky. Uimirea a fost și mai mare când am aflat că a fost făcută de Gleb Panfilov (1934). În ciuda faptului că nu este la fel de cunoscut la nivel internațional ca Andrei Tarkovski, Nikita Mikhalkov sau Andrei Konchalovski, el este un regizor a cărui filmografie nu le diminuează puterea și calitatea alături. Dovadă sunt premiile pe care le-a acumulat la festivaluri precum Veneția, Berlin, Karlovy Vary, Locarno, Moscova și Cannes.

Filmul său de debut a fost mai mult decât debutul promițător al unui tânăr cineast: a fost primul film al unui mare regizor. Nu există vad în foc (1967) se întoarce la războiul civil (1918-1920) pentru a spune povestea trezirii unei sensibilități. Protagonistul său este o tânără asistentă care servește într-un tren medical. Acolo, printre sânge, murdărie și moarte, își descoperă darul pentru pictură. Cu toate acestea, lucrările sale nu-i plac pe comisarul politic adjunct, care îi critică aspru. Panfilov nu a fost interesat de eroismul revoluționar, ci de conflictul dintre libertatea de exprimare a artistului și datoria artistului de a contribui la progresul socialismului cu arta de masă (Tarkovski a abordat ceva similar în Andrei Rubliov). Acel film vital și profund uman a inaugurat galeria personajelor feminine neconvenționale care populează filmografia regizorului rus.

Acest film neobișnuit și eroina au atras imediat atenția publicului. De asemenea, a dezvăluit-o pe Inna Churikova (1943), o prodigioasă actriță care a devenit partenerul sentimental și profesionist al lui Panfilov. Pentru cineast, Churikova este ceea ce a reprezentat Liv Ullman pentru Ingmar Bergman sau Giulietta Masina pentru Fellini. Ambii au confirmat acele așteptări în The Beginning (1970), despre un tânăr muncitor cu gust pentru teatru căruia i se oferă să joace Ioana de Arc într-un blockbuster istoric. Narațiunea oscilează între evocarea eroică a fecioarei din Orleans și viața protagonistului. Acesta din urmă menține o relație cu un bărbat căsătorit slab și indecis și, datorită participării sale la filmări, ea este transformată și își descoperă propria libertate.

Regizorul introduce resursa cinematografică în cinematografie ca un subterfugiu inteligent pentru a ocoli cenzura și a încorpora aspectul mistic al Ioanei de Arc. Acest lucru este interpretat și de un muncitor, cu care dogmele partidului au fost respectate. Aceasta însemna că curatorii nu aveau niciun motiv să interzică filmul. Finetea psihologica, inteligenta dialogurilor si a situatiilor, jocul oglinzilor si munca unei actrite luminoase sunt principalele succese pe care se bazeaza acest film.

Următorul proiect al lui Panfilov, Eu cer cuvântul (1975), a stârnit discuții aprinse în public și presă, datorită complexității protagonistului și îndrăzneala cu care filmul a abordat aspecte contemporane. Acesta din urmă a condus la înregistrarea benzii de un an de către comitetul de cenzură. Spre deosebire de No Hay in Fire și The Beginning, aceasta este o piesă mai pesimistă. A fost, de asemenea, prima dată când directorul său a folosit culoarea. Dar este vorba despre culori reci, minimaliste, tipice dezamăgirii (nu trebuie să uităm că era epoca lui Leonid Brejnev). Printre alte aspecte, în care cer cuvântul, Panfilov se ocupă de confruntarea individului cu autoritatea și, în special, cu mecanismele birocratice implacabile care îi distrug dorințele și idealurile.

Înfruntarea inevitabilă cu cenzura

Panfilov aparține generației celui de-al XX-lea Congres, care a realizat de fapt dezghețul. În cinematograful său, nu există disidență, dar există o subversiune subtilă care nu subminează credința sa esențială în ideile comuniste. Dar, era inevitabil ca la un moment dat să se lovească de cenzură. Asta s-a întâmplat în 1979, când a filmat El tema, o meditație acută asupra responsabilității morale a artistului. Spre deosebire de majoritatea filmelor sale, protagonistul nu este o femeie: personajul ei central este un dramaturg de succes (el este interpretat de Mikhail Ulyanov) care pleacă în vacanță într-un oraș din interior.

Acolo trăiește o femeie inteligentă și misterioasă care a fost odată admiratorul și muza sa. Dar și-a dat seama că operele sale nu au rezonanță emoțională și greutate literară. Scriitorul și-a pierdut inspirația și trece printr-o criză existențială. Contactul cu vechiul prieten îl face să-și recunoască greșelile și să recunoască faptul că onorurile i-au fosilizat creativitatea. Filmul a fost interzis sub pretextul că a dat o imagine negativă a scriitorului sovietic și a putut fi proiectat doar în 1987. A concurat la Festivalul de Film de la Berlin, unde a câștigat cel mai mare premiu. De asemenea, a fost ales de criticii internaționali drept cel mai bun film al anului.

Ulterior, filmografia lui Panfilov a adăugat noi titluri: Valentina (1981), Vassa (1983), The Romanovs. O familie imperială (2000), Primul cerc (2006), Vinovat fără vinovăție (2008). În această etapă, cineastul a început de la lucrări literare pentru a crea unele dintre filmele sale. Astfel, pentru a-i împușca pe primii doi, s-a bazat pe piesele lui Alexander Vampilov și, respectiv, Máximo Gorki. În prima, a filmat o interpretare cinematografică absolut fidelă a verii trecute la Chulimsk, în care a respectat chiar și cele trei unități dramatice. În schimb, Vassa este o adaptare meticuloasă, precisă și mai liberă a lui Vassa Zheleznova. Unul dintre principalele ei succese este interpretarea protagonistei de către Inna Churikova. Spre deosebire de ceea ce este norma, Vassa nu este prezentat ca un personaj monolitic, ci ca o femeie cu diferite dimensiuni. Este mai puțin autoritar, mai uman și are chiar și o mulțime de victime. Filmul subliniază, de asemenea, rolul pe care îl pot juca femeile în societate.

Despre The Romanovs, regizorul său a exprimat că este un film pe care nu se putea opri să-l facă: „Toată viața mea am fost crescut cu ideea că ultimul împărat a fost teribil și sângeros. Asta ne-au pus în cap. A fost un șoc pentru mine să descopăr altfel. Și asta am vrut să arăt în filmul respectiv ”. Romanovs a fost un proiect care ia durat zece ani directorului său. În acea bandă, el reconstituie ultimele zile (februarie 1917 - iulie 1918) ale ultimului țar rus. În ciuda faptului că se bazează pe fapte istorice, Panfilov a creat un film intim, care revendică figura lui Nicolae al II-lea ca un tată bun și un om decent, care are trăsături de caracter cehovian. De asemenea, regizorul a realizat o versiune în cinci capitole pentru televiziune. Romanovs este singura lucrare a lui Panfilov în care Inna Churikova nu a intervenit ca actriță, deși numele ei apare ca coautor al scenariului.

Primul cerc a fost cazul opus: inițial a fost filmat ca o miniserie de 10 episoade pentru televiziune, iar din acel material regizorul a pregătit în 2007 o versiune de 127 de minute pentru cinema, intitulată Arhiva pentru eternitate (miniseria poate fi văzută cu Subtitrări în engleză pe YouTube). Se bazează pe romanul autobiografic al lui Alexander Soljenitsin, care a scris și scenariul. „Primul cerc al iadului” la care se face referire este sharashka, o închisoare-laborator pentru investigații secrete, unde marile minți ale țării au fost puse în slujba guvernului. Condițiile de viață erau incomparabil mai bune decât cele ale gulagului. Dar cei trimiși acolo s-au confruntat cu dilema etică a cooperării cu un regim anti-uman. În ceea ce privește vinovăția fără vinovăție, aceasta se bazează pe o piesă a marelui dramaturg rus Alexander Ostrovski. Povestește povestea unei actrițe celebre care, după ce a triumfat în capitală, ajunge într-un oraș de provincie. Acolo ajută un tânăr actor și descoperă, de asemenea, că fiul pe care l-a abandonat pentru iubitul său și pe care l-a crezut mort, este în viață.

În 2014, o cutie cu patru DVD-uri corespunzătoare No hay en el fuego, Începutul, cer cuvântul și tema, a fost pusă în vânzare în Franța. În ceea ce privește plecarea sa, Isabelle Regnier a scris în ziarul Le Monde că fiecare dintre filmele regizorului rus „are propria dinamică și stil. Însă, fără îndoială, alcătuiesc un tot coerent, ghidat în același timp de un gând revoluționar idealist și neliniștit, cu privire la posibilitatea de a rămâne credincios ca artist și ca cetățean și de prezența vibrantă a Innnei Churikova, a cărei față este indisolubilă din lumea.Opera lui Panfilov. Într-o asemenea măsură este, că pe coperta cauzei cele două nume ale acestora sunt scrise în condiții egale ”. Și adaugă: „Dacă iubești cinematograful pentru capacitatea sa de a interoga lumea și de a propune o nouă reprezentare, caracterizată printr-un aspect intens și singular, cinematograful lui Panfilov este pentru tine”.

Cu această succintă trecere în revistă a filmografiei lui Panfilov, încerc să înțeleg motivul uimirii mele când am aflat că a adus-o pe mama pe ecran. Mai mult, nu a făcut-o în timpul stagnării. A făcut-o la sfârșitul perestroika, datorită căreia tema a reușit în cele din urmă să ajungă la spectatori. În plus, filmul a fost selectat pentru a face parte din secțiunea oficială a Festivalului de Film de la Cannes din 1990, unde a avut un succes neașteptat: la finalul proiecției, Inna Churikova a primit o aplauză de 20 de minute, iar regizorul său a fost distins cu premiu pentru cea mai bună contribuție artistică. În același an, The Mother a fost nominalizată pentru cel mai bun film la European Film Awards și unul dintre interpreții săi, Dmitri Pevtsov, a câștigat premiul pentru cel mai bun actor în rol secundar.

Ce l-a determinat pe Panfilov să facă romanul lui Gorky la cinema? Ce ai găsit actual în acea lucrare? Mi-au trebuit mai mult de douăzeci de ani să aflu. La fel ca multe alte filme rusești, The Mother a avut o distribuție internațională limitată și, cel puțin în afara Rusiei, nu a fost niciodată lansată pe DVD.