Peisajul profund, înghețat, pasionat; doi dintre compozitorii săi,
și o lucrare de Krszysztof Penderecki.

Această pagină documentează un concert trecut.

Krysztof Penderecki (1933)

Treno pentru victimele din Hiroshima

Edvard Grieg (1843-1907)

Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46
Dimineața
Moartea lui Aase
Dans Anitra
În holul regelui muntelui

Jean Sibelius (1865-1957)

Simfonia nr. 1 în mi minor, op. 39
Andante ma non troppo-Allegro energico
Andante ma non troppo slow
Scherzo: Allegro ma non troppo
Finale quasi a fantasy

José Luis Castillo, regizor invitat

mexico

Jose Luis Castillo

Actual director al Orchestrei Camerei de Arte Plastice, este unul dintre cei mai proeminenți și activi regizori și compozitori de pe scena muzicală actuală. Stabilit în Mexic din 1997, și-a început studiile de compoziție, analiză și dirijat în Spania pentru a le continua la Salzburg, Luxemburg și Paris alături de Manuel Galduf și Alexander Müllenbach.

Printre soliștii de prestigiu cu care colaborează, este de menționat András Adorján, Thomas Indermühle, Walter Boeykens, Christian Lindberg, Leslie Howard, Cyprien Katsaris, Jorge Federico Osorio, Jenö Jandó, Altenberg Trio, Alexei Volodin, ansamblul Kroumata, iunie Anderson, Verónica Villarroel, Ramón Vargas și Dimitri Hvorostovsky printre alții.

În calitate de compozitor, operele sale au fost interpretate în prestigioase festivaluri și forumuri de muzică contemporană din Germania, Australia, Austria, Canada, Chile, Spania, Statele Unite, Franța, Olanda, Italia, Japonia, Mexic, Peru, Portugalia, Taiwan și Uruguay de către Interpreți precum Saarbrücken Broadcasting Orchestra, Orchestra Filarmonică din Luxemburg, Orchestra de cameră din Württemberg, Corul de radio Saarbrücken, Ansamblul Delta, Cvartetul de coarde din Salzburg, Wolfgang Meyer, ansamblurile Onyx și Tambuco printre altele.

În domeniul educației muzicale, a fost director artistic al Instrumenta și ocupă în prezent catedra de compoziție la Școala Superioară de Muzică INBA. În cele două ediții a coordonat ciclul de muzică contemporană al Festivalului internațional Cervantino. În prezent, editează critic lucrările lui Silvestre Revueltas, ceea ce l-a determinat să includă în discografia sa opera orchestrală nepublicată a acestui compozitor, precum și muzica mexicană contemporană.

José Luis Castillo a primit premii și distincții în Italia, Luxemburg și Olanda și a primit, de două ori, premiul Uniunii Mexicane a Criticilor de Teatru și Muzică.

de Juan Arturo Brennan

Krysztof Penderecki (1933)

Treno pentru victimele din Hiroshima

În dimineața zilei de 6 august 1945, un mic escadron de avioane de război americane a zburat peste Japonia în așteptarea instrucțiunilor. Respectarea acestor instrucțiuni urma să fie lăsată în seama colonelului Paul Tibbets, care în acea zi a comandat un bombardier B-29 care avea pictat pe părți numele mamei colonelului, Enola Gay. La scurt timp după ora 7 dimineața, Tibbets a primit un mesaj criptat, ultima linie din care scria: „Sfătuiesc să bombardăm ținta principală”. Această țintă principală a fost orașul japonez Hiroshima, iar Tibbets a trebuit să arunce asupra sa o bombă atomică de 4.500 de kilograme. În acea zi, la 8:15 dimineața, ușile golfului bombei Enola Gay s-au deschis pentru a da loc monstruosului dispozitiv nuclear. Dintr-un cont scris de Fletcher Knebel și Charles Bailey, extrag aceste rânduri:

Explozia devenise, într-un timp atât de scurt încât nu putea fi cronometrată, într-o minge de foc de peste 500 de metri în diametru, a cărei temperatură în centru a crescut la 55 de milioane de grade Celsius. Mii de oameni nu au văzut nimic. Au fost incinerați în același loc în care se aflau, de căldura radiantă care a făcut din centrul Hiroshimei un cuptor gigantic. Mii mai mulți au trăit probabil o secundă sau două, timpul necesar pentru a fi spart de sticlă care zbura ca metralla sub efectul undei de șoc sau zdrobită sub pereți, grinzi, cărămizi sau orice alt obiect solid găsit în traiectoria exploziei. . Hiroshima încetase să mai existe; explozia a pulverizat nouă zecimi din oraș odată. Totul a ars în câteva secunde, chiar și iarba de pe pământ, care a fost redusă la cenușă.

Trei zile mai târziu, pe 9 august, un alt bombardier american a efectuat o operațiune similară, de această dată peste orașul Nagasaki. Costul total al ambelor raiduri: 170.000 de decese instantanee, plus cele care au avut loc ulterior ca urmare a bombelor atomice. La mai puțin de o lună mai târziu, la 2 septembrie 1945, Japonia și-a semnat predarea, punând capăt celui de-al doilea război mondial. De atunci, numele Hiroshima a fost sinonim cu una dintre marile tragedii din istoria omenirii; Numeroase cărți, eseuri, prelegeri, poezii, filme și opere muzicale au fost dedicate Hiroshimei și victimelor sale. Dintre acestea din urmă, unul dintre cele mai notabile este Treno pentru victimele din Hiroshima, pentru 52 de instrumente cu coarde, compus de Krzysztof Penderecki în 1960.

Scorul Treno pentru victimele din Hiroshima i-a adus lui Krzysztof Penderecki premiul al treilea la Concursul de compoziție Grzegorz Fitelberg, organizat de Radio Polonez. Lucrarea a fost premiată pe 22 septembrie 1961 în cadrul Festivalului de Toamnă de la Varșovia, cu Orchestra Filarmonică din Cracovia dirijată de Andrzej Markowski. Cu câteva luni mai devreme, în luna mai, Treno al lui Penderecki fusese auzit la o transmisie radio, cu Marea Simfonie a Radioului Polonez, sub bagheta lui Jan Krenz.

Edvard Grieg (1843-1907)

Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46
Dimineața
Moartea lui Aase
Dans Anitra
În holul regelui muntelui

La fel cum Edvard Grieg este considerat cel mai important compozitor din istoria Norvegiei, Henrik Ibsen (1828-1906) este considerat cel mai mare poet și dramaturg norvegian. Astfel, colaborarea dintre cei doi pentru montarea piesei Peer Gynt poate fi definită ca suma a două talente uriașe.

Ibsen este considerat creatorul dramei moderne de proză realistă și ca unul dintre marii dramaturgi din toate timpurile. Deși a fost aspru criticat de unii dintre contemporanii săi, Ibsen a fost admirat de mulți alții și chiar a creat școala prin tendința pe care George Bernard Shaw a numit-o „ibsenism”, adică critică în formă dramatică a moralei convenționale. Mai mult, dramaturgul norvegian este apreciat până în prezent pentru măiestria sa tehnică neîntrecută, înțelegerea sa psihologică pătrunzătoare, simbolismul său și poezia subtil ascunsă în proză. Iată un citat dintr-un articol enciclopedic despre Ibsen, ideal pentru a intra în subiectul său Peer Gynt:

Atunci când Ibsen avea la sfârșitul anilor 30 și începutul anilor 40, după ce a lăsat Norvegia în urmă, a scris cele mai puternice lucrări din întreaga sa carieră. Brand, conceput mai întâi ca un poem dramatic și mai târziu rescris ca dramă în versuri, a fost finalizat la Roma în vara anului 1865 și publicat la Copenhaga anul următor. Această lucrare a fost urmată în 1867 de complementul său, Peer Gynt. Ambele sunt într-un sens piese polemice îndreptate împotriva a ceea ce Ibsen a văzut ca îngustimea vieții norvegiene și satisfacerea personajului norvegian. Prima lucrare are ca erou o figură inflexibilă și fieră, dedicată riguros principiului „totul sau nimic”; a doua lucrare urmează cariera unui om fără principii, lipsit de griji, care se mulțumește să-l ia drept motto în viață „fii suficient pentru tine”. În timp ce primul este admirabil, dar nu poate fi iubit, al doilea este adorabil, dar criticat, și ambele pot fi luate ca portrete ale autorului.

Argumentul lui Peer Gynt este foarte complicat, dar poate fi rezumat în câteva rânduri. Acest țăran norvegian simțitor, egoist și mincinos merge în jurul lumii pentru a călători și a avea o serie de aventuri fantastice. În cele din urmă, el își găsește ultimul pantof (așa cum se spune colocvial) în persoana unui fabricant de nasturi, care amenință să topească Peer Gynt ca un experiment uman eșuat. Peer Gynt este răscumpărat în cele din urmă de dragostea lui Solvejg, care i-a rămas credincios de-a lungul rătăcirilor sale.

În ianuarie 1874, Ibsen l-a rugat pe Grieg să compună muzică incidentală pentru punerea în scenă a lui Peer Gynt. La început, Grieg s-a gândit să compună o mână de numere muzicale, dar complexitatea Peer Gynt a lui Ibsen a făcut ca proiectul să crească și să crească, iar compozitorul a trebuit să scrie 23 de numere muzicale pentru a acoperi cele cinci acte ale piesei. Scorul a fost finalizat în septembrie 1875 și a fost auzit pentru prima dată în orașul Christiania (astăzi Oslo) pe 24 februarie 1876, însoțind montarea versiunii revizuite a lui Peer Gynt a lui Ibsen. Compusă inițial pentru voci solo, cor și orchestră, muzica lui Grieg pentru Peer Gynt (care poartă Opus numărul 23 în catalogul său) este astăzi mai bine cunoscută prin intermediul a două suite pur orchestrale; prima dintre ele, marcată cu Opus 46, este compusă din numerele 13, 12, 16 și 7 (în această ordine) a continuității muzicale, în timp ce a doua suită, Opus 55, conține numerele 4, 15, 19 și 18.

Pentru a încheia cu un final anecdotic, merită să ne amintim că premiera filmului Peer Gynt de Ibsen cu muzica lui Grieg a avut un succes enorm în vechiul oraș Christianian și că sezonul piesei a fost suspendat doar pentru o cauză foarte puternică.: decorul teatral a fost mistuit de foc.

Jean Sibelius (1865-1957)

Simfonia nr. 1 în mi minor, op. 39
Andante ma non troppo-Allegro energico
Andante ma non troppo slow
Scherzo: Allegro ma non troppo
Finale quasi a fantasy

Când un compozitor stă la pian și un personal gol și se gândește „În primul rând?”, Se confruntă cu una dintre cele mai delicate sarcini din lumea muzicii: inițierea producției sale simfonice. La urma urmei, decizia de a scrie prima simfonie este încărcată, pentru fiecare compozitor, cu toată istoria anterioară a genului. Și o astfel de istorie nu este un lucru mic, având în vedere că de la mijlocul secolului al XVIII-lea până la primele decenii ale secolului al XX-lea, simfonia a fost probabil cea mai importantă formă în domeniul muzicii de concert.

Prima simfonie a lui Sibelius conține numeroase momente de mare bogăție muzicală, de la tema de clarinet lungă și profundă cu care începe opera (preluată la începutul celei de-a patra mișcări), până la asemănarea în încheierea primei și ultimei mișcări a operei., prin scherzo-ul robust și figura sa ritmică specifică și mișcarea lentă în care pot fi detectate unele datorii cu muzica rusă. În acest sens, există o referință interesantă într-un articol al lui Robert Layton despre viața și opera lui Sibelius:

Anii 1890 au văzut formarea și apoi consolidarea unui limbaj personal. Lucrările timpurii ale lui Sibelius pentru diverse combinații de cameră sunt moștenite de la clasicele vieneze (Cvartetul de corzi E-flat din 1885 are o mulțime de Haydn), Grieg și Svendsen (Sonata pentru vioară în sol major din 1889 are o datorie evidentă față de Grieg, precum și lent Mișcarea cvartetului Op. 4 din 1890) și, mai presus de toate, către Ceaikovski, în special în ceea ce privește vocabularul armonic. Acest lucru poate fi văzut clar în compozițiile sale studențești (Trio cu coarde în sol minor din 1885), dar este și mai remarcabil în mișcarea lentă a lui Kullervo. Se poate spune că atinge punctul culminant în mișcarea lentă a primei simfonii (1899) scrisă, ca să spunem așa, în umbra pateticii lui Ceaikovski, care a fost jucată la Helsinki în 1894 și 1897.

Gândirea simfonică a lui Sibelius, cu transformarea sa de tonalitate și formă, a continuat să se dezvolte prin celelalte șase simfonii ale sale, culminând cu a șaptea simfonie din 1924, în care Sibelius rezumă marea formă într-o singură mișcare continuă. Este un bun material pentru speculații să ne amintim că, după finalizarea celei de-a șaptea simfonii (și aruncarea manuscrisului celei de-a opta ani mai târziu) Sibelius a abandonat această formă pentru totdeauna. Cât de departe ar fi ajuns dacă și-ar fi consacrat cei 33 de ani de viață rămași compunerii mai multor simfonii pe linia de gândire prezentată în Prima sa simfonie și solidificată în următoarele șase?