Paco Yanez

Primul concert al sezonului 2017-2018 al Orchestrei Simfonice din Galicia la Palatul Operei din A Coruña ne-a oferit două reflecții despre moarte compuse când creatorii lor respectivi abia aveau treizeci de ani; Deși, cu o importanță inegală în dezvoltarea ulterioară a carierelor lor, din moment ce primul dintre aceste scoruri, în mod direct, a fost pierdut și a căzut în uitare, fiind recuperat după un secol de premieră (Saint Petersburg, 17 ianuarie 1909), datorită cercetare efectuată în 2015 de muzicologul Natalia Braginskaya în biblioteca Conservatorului din Sankt Petersburg, unde cele 58 de părți ale lucrării au fost depozitate printre numeroasele comori pe care o astfel de venerabilă instituție le apreciază.

Dima Slobodeniouk

. Vorbim despre Pogrebal'naya Pesnya (1908), opus 5 din catalogul compozitorului rus Igor Stravinsky (Oranienbaum, 1882 - New York, 1971), a cărui partitură orchestrală Mundoclasico.com El și-a dat seama deja în urmă cu câteva luni, prin premiera în Spania a acestui Cântec funerar, cu interpretarea sa la Madrid (24.02.2017) de Orchestra London Philharmonia, cu foarte Stravinskian Esa-Pekka Salonen la conducere. Maruxa Baliñas ne-a comentat în acea recenzie că lucrarea părea oarecum dezamăgitoare, fără un caracter definit. După interpretarea Orchestrei Simfonice din Galicia, cu șeful său, Dima Slobodeniouk, la conducere, știu că opinia directorului nostru s-a îmbunătățit: o apreciere pe care acum, fără îndoială, o împărtășesc, din moment ce cred că am participat o lectură foarte atentă, pe lângă dezvăluirea unor noi modalități de înțelegere a apartenențelor lor stilistice, pe o pagină fără tradiții interpretative sau referințe istorice; prin urmare, importanța pe care diferitele versiuni prin care Pogrebal'naya Pesnya își trăiește învierea particulară o presupun pentru definirea simțului său muzical (un concept atât de important în al doilea scor al programului revăzut astăzi).

La câteva decenii după compoziția sa, Igor Stravinsky i-a mărturisit lui Robert Craft că Funeral Song a fost „cea mai bună dintre lucrările mele înainte de L'Oiseau de feu [1910] și cea mai avansată în armonie cromatică”, arătând o mare curiozitate de a ști cum a compus chiar înainte de primul dintre marile sale balete pariziene, al căror început pestriț și întunecat la contrabas este anticipat în barele de deschidere ale Pogrebal'naya Pesnya, precum și în prezența soliștilor metalici (în special a cornului) și a lemnului (cu o prezență proeminentă a fagotului; deși - așa cum afirmă însuși Stravinsky - ambele fagote, clarinet, corn englezesc, flaut și oboi își depun coroanele de flori în fața mormântului lui Nikolai Rimski-Kórsakov în diferite variații timbrale ale uneia dintre temele principale ale acestei Cântece funerare care, tocmai, a fost compus și dedicat în memoria unui Rimsky-Kórsakov care fusese profesor și prima referință pentru tânărul Stravinsky).

Pentru o bună parte a muzicologiei și a criticilor asupra cărora a reflectat Pogrebal'naya Pesnya, ne confruntăm cu o lucrare cu o puternică datorie wagneriană (în ciuda ciudățeniei pe care aceasta o poate provoca într-un compozitor la fel de puțin asemănător cu germanul ca Stravinski), ceva care Pablo Sánchez Quinteiro evidențiază în notele sale la program, cu o referire explicită la marșul funerar al lui Siegfried (1851-71). Este, fără îndoială, o influență plauzibilă; Deși, după o primă audiție a lucrării (prin diferite înregistrări publicate pe internet), personal cred că influența care gravitează cel mai mult asupra acestei Cântece funerare este cea a lui Alexander Scriabin practic contemporan, cea a unor partituri precum Simfonia sa nr. 2 în Do minor opus 29 (1901), a avut premiera la începutul secolului al XX-lea la Sankt Petersburg, ca o bună parte din operele sale orchestrale; premiere în care nu știu dacă însuși Stravinski a fost prezent, dar ale cărui ecouri și influențe au ajuns fără îndoială la compozitorul de atunci tânăr. Densitatea și cromatismul intens al acestui Largo assai care constituie Pogrebal'naya Pesnya mi-l confirmă astfel, cu ecouri voalate ale jocului de coarde de bas și teme ale vânturilor la începutul opțiunii scriabiniene menționate mai sus 29.

. Cu toate acestea, importanța lecturii comandate de Dima Slobodeniouk în fruntea OSG, precum și semnificația sa filologică pentru viitor, este salvarea în jocul melodiilor ondulate (influență, de asemenea, a lui Debussy?) Și a culorilor acestei Cântecul funerar o influență marcată a lui Rimsky-Kórsakov; nu la fel de pronunțat ca în lucrările imediat anterioare din catalogul stravinskian precum Feu d'artifice opus 4 (1908) sau, mai ales, Scherzo fantastique opus 3 (1908), dar este evident atunci când vine vorba de articularea temelor, a lor dezvoltarea și texturile lor frumoase, în ciuda tonului sumbru pe care șirul îl impune într-o bună parte din cele 106 bare ale sale. Astfel, apartenența stilistică pe care a sprijinit-o Slobodeniouk, cred că vine din acea greutate împărțită între amprentele lui Alexander Scriabin, pentru densitatea, cromatismul și respirația spirituală profundă, și Nikolai Rimski-Kórsakov, pentru liniile sale melodice și paleta sa timbrală.

Cazul lui Gustav Mahler (Kaliště, 1860 - Viena, 1911) și Simfonia sa nr. 2 în do minor „Auferstehung” (1888-94) este foarte diferită, întrucât avem de-a face cu o lucrare cu o lungă tradiție interpretativă (să ne gândim despre faptul că prima Sa înregistrare fonografică datează din 1924, cu înregistrarea seminală a lui Oskar Fried și a Berliner Staatsoper Orchestre -publicată de Naxos (8.110152-53) într-o versiune de mare interes istoric-), lucru care cântărește foarte mult atunci când este vorba de evaluarea lecturii din această seară comandată de Dima Slobodeniouk în fruntea OSG: o performanță marcată de lipsa de intensitate și care nu se aventurează dincolo de scor, către acea regiune din spatele notelor în care Mahler însuși a afirmat că muzica a fost găsită.

Gustav Mahler a dinamitat multe convenții cu cea de-a treia mișcare a acestei a doua simfonii: un „In ruhig fliessender Bewegung” care continuă să sune ca unul dintre cele mai moderne și mai pasioase pasaje ale sale, la fel cum - foarte bine - Luciano Berio a înțeles-o când l-a făcut să călărească. pe această mișcare galeria istorică de referințe și stiluri afișate în a treia mișcare a Sinfoniei sale (1968). Nu am auzit nimic despre acea modernitate în această seară într-un „In ruhig fliessender Bewegung” care s-a născut infectat de prețiozitatea „Andante moderato” și care, încetul cu încetul, a căzut în corecția înghețată și lipsa de intensitate a „Allegro”. maestoso '. Fără mordanță sau modernitate, această mișcare pierde mulți numere întregi, caracterul său satiric este încețoșat, instrumentele sunt lipsite de rugozitate și „struguri răi”, încheindu-se însuși Slobodeniouk transformat într-un Sfânt Dima din Padova predicând muzicienilor OSG fără un răspuns care să convingă treziți publicul (cel puțin, cei care au în memorie - pentru a arăta un exemplu revelator - superba versiune de studiu a anului 2001 a lui Riccardo Chailly pentru Decca (448 813-2), cu care această lectură de Dima Slobodeniouk -de 10:40 minute- aproape coincide cu durata-și puțin mai mult-).

Colecția „Urlicht” nu a scăpat de lipsa generală de muzicalitate suferită în această seară, în special de un cor de trâmbițe atât de delicat în OSG, deși trebuie recunoscut că cel puțin Dima Slobodeniouk a reușit să aducă sub control o secțiune, așa că predispus la dezacord în orchestră. O situație foarte diferită este cea a lui Casey Hill, un oboist pe care l-am lăudat întotdeauna și care în acest „Urlicht” demonstrează încă o dată de ce este unul dintre cei mai buni (și cei mai muzicali) interpreți ai OSG. Însoțirea ei la mezzo-ul Okka von der Damerau a demonstrat acest lucru, chiar și într-un registru aproximativ, întrucât singurul „dar” care l-ar pune pe german este o voce oarecum puternică într-o mișcare care, cred, necesită întuneric și mister mai mare. La o durată de 4:40 minute, Slobodeniouk se așează din nou pe o cale soltiană, departe de întârzierea și aprofundarea arătate în această lumină primordială de regizori precum Leonard Bernstein, în a cărui ultimă înregistrare (Deutsche Grammophon 423 395-2 -en vivo - ) apar mult mai multe nuanțe și culori.